La semana que viene Of Monsters and Men visitarán Singapur y Filipinas, dentro de su gira mundial. Esa es una de las razones por la cual la delegación asiática de la web Bandwagon ha publicado hace un par de días la siguiente entrevista con Raggi. Os la dejamos a continuación traducida al castellano:
Entiendo que el nombre de la banda "Of Monsters and Men" es una representación metafórica de todo lo que comenzó como 'pájaros' (haciendo referencia al título del proyecto en solitario original, 'Songbird') y más tarde evolucionó en monstruos. Pero ¿cuál es el simbolismo detrás de los monstruos? ¿Hay alguna razón explícita sobre por qué "Of Monsters and Men" se convirtió en el nombre de la banda?
Ese nombre parecía encajar con lo que estábamos haciendo líricamente al principio. Tuvimos algunas otras ideas, pero había algo en ese nombre que nos gustaba. Creo que la elección de un nombre tiene que ver con una primera impresión. Vas con algo que te gusta.
Muchas de tus canciones abarcan una mezcla inspiradora de tiempos enérgicos y apasionados que da vida a tu música. 'Hunger' comienza precisamente con un sonido lento, difícil de alcanzar, antes de que aumente a un fuerte ritmo potente, que impulsa la voz hacia adelante. ¿Dirías que esta técnica es intencional y firma de tu estilo musical?
Es algo que viene muy natural para nosotros. Nos encanta crear contrastes, por lo que nuestras canciones a menudo tienden a empezar lentas y se convierten poco a poco en algo grande, o empezamos con una explosión que luego se va reduciendo. Es divertido jugar a la hora de escribir música.
Tu álbum más reciente, Beneath the Skin es mucho más íntimo y personal, en comparación con el primer álbum My Head is an Animal. ¿Cuál fue el proceso de composición? ¿Queríais hacer un cambio de estilo? Y si es así, ¿cómo encajan las emociones en tu música, para conectar con tu público con mayor eficacia?
Nosotros no nos dirigimos deliberadamente a un cambio de estilo, creo que es sólo algo que ocurre con el tiempo. No vas a escribir sobre la misma cosa una y otra vez. Pruebas nuevas cosas, cosas que excitan e inspiran y esas cosas, son las que crean el cambio.
Tu estilo de escritura es muy poético, anhelante e imaginativo. No parece forzado y parece que esa es una de las razones por las que conseguís llegar a tal profundidad: se trata del corazón. ¿Cómo se desarrolló este estilo de escritura? Son tus letras una culminación de todas vuestras voces o la voz de un solo miembro de la banda representa a todos?
La letra es una colaboración entre Nanna y yo. Nuestro proceso es muy simple, diría yo. Nos sentamos a tomar un café con nuestras guitarras y empezamos a hablar de la canción en la que estamos trabajando. Tratamos de no forzar nada y si algo no está funcionando, seguimos adelante con otra cosa. Se trata de encontrar la sensación correcta para cada canción.
Como una banda con dos vocalistas, tienes el poder de hablar verdaderamente a tu audiencia a través de dos puntos de vista. En 'Wolves without Teeth', ambas voces se alternan en la canción como si conversaran entre sí, también rebosan simultáneamente la misma profundidad emocional y el mismo significado cuando se juntan en el estribillo. ¿Cómo controláis eficazmente esto sin hacer que dos voces parezcan excesivas?
Creo que dos voces no tienen que ser excesivas si se utilizan correctamente. Más o menos nos inclinamos por la melodía y la sensación de la canción para elegir quien canta qué. Algunas melodías parecen conversaciones y otras, no lo hacen.
El arte de la narración en la música a menudo se subestima. Se dice que las historias pueden permitir que uno de ahonde en vidas que no son necesariamente las suyas, pero aún así enseñar algo acerca de sí mismos. ¿Cómo percibes la narración como un grupo musical? ¿Cómo se puede mezclar todas tus ideas e historias para crear algo fluido, un disco unitario?
Creo que lo más importante es escribir sobre algo que sea importante para ti. Si estás haciendo eso, es probable que otras personas se sientan identificadas con las letras. Si vas a escribir todas las canciones en un tiempo similar en tu vida, tendrán un tono subrayado similar.
Por mucho que sientas como si estuvieras escribiendo sobre cosas diferentes, siempre estás atascado en la misma caja de lo que eres en ese momento y lo que está pasando, y eso va a controlar el resultado. Es por eso que trato de no pensar demasiado en ello. Al final todo saldrá adelante no importa qué, es decir, si estás escribiendo sobre lo que es importante para ti.
Después de dos discos con ambientes diferentes pero sonidos muy similares, ¿crees que has encontrado tu sonido o todavía estás explorando donde puede llevarte tu música? ¿Cuáles son tus planes musicales para el futuro próximo?
Creo que nos gusta lo que somos y lo que hemos hecho, pero no sería tan divertido si no exploráramos siempre y tratáramos de ampliar nuestras capacidades como músicos y compositores. No tengo ni idea de que planes musicales tenemos, o a donde nos llevará nuestro sonido, pero estoy emocionado de empezar a trabajar en el tercer álbum.
Si tuvierais que dar un consejo, ¿qué consejo les darías a futuros artistas, tanto en términos de composición y tocar en directo?
Haced música si os hace felices, no trates de hacerlo porque quieras hacerte famoso o por dinero. Si tienes éxito entonces eso es un aliciente, pero mientras tanto sólo trabaja en tu arte y hazlo porque te guste para ti mismo. Eso es lo principal.
¿Qué cosa te gusta de estar en el escenario?
Me gustan un montón de cosas de estar en el escenario, pero si tuviera que elegir sólo una cosa probablemente sería sentir la energía del público. Es emocionante, puede pasar cualquier cosa y todo el mundo te está mirando.
¿Es tan importante la participación del público para ti?
Es muy importante. Nos alimentamos de la energía del público. Si te sientes como una mierda al empezar un concierto, un buen público puede cambiarlo todo. Un buen público hace que nuestro trabajo sea mucho más divertido.
Fuente: Bandwagon.
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